Geplaatst op

Hoe kan je jouw copyright beschermen?

Wat is copyright en waarom is het belangrijk?

Copyright is een van de belangrijkste concepten voor muzikanten. Het is hoe je wordt betaald voor je muziek en hoe je de muziek beschermt waar je zo hard aan hebt gewerkt.  Jij als maker hebt het recht om te bepalen hoe en waar jouw werk wordt gebruikt. Als iemand jouw video van Youtube download en op Facebook upload, mag dag dus niet.  Maar het is ook wel echt verwarrend hoe dit in elkaar zit. Zonder de hulp van een advocaat zijn de ins-en-outs van het auteursrecht moeilijk te achterhalen.

copyright

Wat is muziek copyright?

Auteursrechten zijn de rechten die door de overheid van je land zijn verleend voor het eigendom (muziek) die je maakt. Elk land kent verschillende variaties op de verleende rechten. Maar ze bestaan allemaal om je te helpen bepalen wat je kunt doen met je nummer of opname, wie wel en niet je werk kan exploiteren voor winst, en hoe je wordt betaald voor je muziek.

Verschillende soorten

Er zijn twee vormen van muziekauteursrecht:

  • Het auteursrecht op het lied (de compositie genoemd)
  • Het auteursrecht voor de opname van dat nummer (soms de master genoemd)

Deze twee auteursrechten kunnen eigendom zijn van twee afzonderlijke partijen.

Bijvoorbeeld: Bob Dylan schreef het lied “All Along The Watchtower”, nam het op en bracht het uit via zijn platenlabel. Toen mensen die plaat kochten, verdiende Dylan royalty’s uit de exploitatie van zijn auteursrecht voor de compositie en de opname. Jimi Hendrix maakte ook een opname van het nummer “All Along The Watchtower”. Toen mensen de versie van Hendrix kochten, ontving hij royalty’s voor de exploitatie van zijn auteursrecht voor de opname. Terwijl Bob Dylan werd betaald voor de exploitatie van zijn auteursrecht in het lied. Door zijn eigen versie van “All Along the Watchtower” op te nemen en uit te brengen, maakte Hendrix gebruik van het auteursrecht van Dylan. Het auteursrecht van Dylan zorgde ervoor dat hij nog steeds werd betaald voor zijn originele werk.

Hoe leg ik mijn auteursrecht vast?

In de VS en Canada is het auteursrecht onmiddellijk van toepassing wanneer je een nummer voltooit en het in een of andere vorm uitschrijft in bladmuziek of je neemt het op een fysiek medium zoals een harde schijf of tape. Het is niet verplicht om een auteursrechtverklaring voor je werk op te nemen. Maar officieel aanvragen van een auteursrechtregistratie kan helpen als iemand op zoek is naar contactpersonen als ze toestemming willen vragen om je werk te exploiteren. Een copyrightkennisgeving kan je op deze manier doen:

  • © Songwriter naam (namen) en het jaar.
    Een copyright-melding in het volgende formaat zou voldoende zijn voor een opname:
  • ℗ Naam van de geregistreerde eigenaar en het jaar.

Als je de maximale bescherming wilt krijgen die mogelijk wordt gemaakt door de toepasselijke wetgeving (bijvoorbeeld: rechtbank die schadevergoeding heeft ontvangen in een inbreukprocedure), moet je je werk registreren bij het betreffende overheidskantoor in je land.

Welke rechten dekken mijn auteursrecht?

Wat je auteursrecht dekt, hangt af van wat de auteursrechtelijke wetten en wetten van je land bieden. De meeste auteursrechtwetten geven je doorgaans de controle over wat je met je werk kunt doen en wat je anderen kunt tegenhouden als ze proberen jou werk te exploiteren zonder toestemming.

De meest voorkomende rechten die worden gedekt zijn:

  • Kopieën / reproducties maken
  • Het recht om je werk te verkopen
  • Je werk aan te passen
  • Je werk in licentie uit te geven
  • Het recht om je werk uit te voeren, uit te zenden of te verzenden

Ga naar de website van Buma/Stemra in Nederland voor meer informatie.

Moet ik mijn muziekauteursrecht registreren?

Niet noodzakelijk. Maar als je de maximale bescherming van je auteursrecht wilt krijgen en mensen een manier wilt bieden om contact met je op te nemen over het gebruik van je werk, moet je je muziek registreren bij het auteursrechtkantoor van je land (Buma/Stemra).

Hoe beïnvloedt muziekauteursrecht hoe ik voor mijn muziek wordt betaald?

Een auteursrecht op muziek biedt je rechten op je intellectuele eigendom die vergelijkbaar zijn met andere eigendomsrechten. Net als het type woning dat je in je hand kunt houden, staat het concept van copyright je toe jouw muziek te verkopen, anderen toestemming te geven je muziek te gebruiken of anderen te verbieden je eigendom te exploiteren zonder je toestemming. Betaald worden voor jouw auteursrechten kan vele vormen aannemen.

De meest gebruikelijke manieren om geld te verdienen met het gebruik van je auteursrechten zijn in de vorm van streaming royalties, gedownloade bestanden, optredens van het record als onderdeel van een film of in een videogame en uitvoeringen op de radio of tijdens een live concert. Vergeet niet dat het nummer dat op die opnames staat ook geld verdient met die bronnen.

Hoe zorg ik ervoor dat ik al mijn royalties ontvang?

Hoe het geld naar je stroomt, neemt ook vele vormen aan. Er zijn wereldwijd veel beheerders die de betaling van deze verschillende gebruiksfuncties aan jou, de auteursrechthebbende, mogelijk maken. Dit zijn:

  • Uitvoerende rechtenorganisaties afhankelijk van je land, in dit geval voor Nederland is dit Buma/Stemra
  • Muziekdistributies
  • Platenlabels

Deze bedrijven verzamelen geld van alle partijen die muziek gebruiken zoals radiostations, online muziekstreamingdiensten, digitale downloadwinkels, bioscopen, restaurants etc. en dat geld verspreiden onder de auteursrechteigenaren.

copyright

Conclusie

Auteursrecht is dus behoorlijk uitgebreid. Als gebruiker van andermans werk moet je er rekening mee houden. Als maker sta je met auteursrecht sterk om op te treden tegen ongewenst gebruik van jouw werk. Het blijft natuurlijk makkelijk om een foto, of ander werk te gebruiken, ook zonder dat je er recht op hebt, maar jij als maker kan daar ook wat aan doen. Blijf opletten en wees niet bang om een claim te sturen als je dat echt nodig is. Wees dus nooit bang om je werk te delen én wees alert bij het gebruiken van andermans werk.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Geplaatst op

Writersblock als producer

Hoe kan ik hier overheen komen?

Er is niets erger dan aan het werk te gaan met een productie en helemaal geen ideeën te hebben. Of je hebt ideeën, maar binnen een paar minuten nadat je eraan gewerkt hebt, prikkelen ze je gewoon niet meer. Vooral wanneer dit dagen of zelfs weken en maanden aanhoudt. Of je nu professioneel werkt onder een deadline, of gewoon probeert te ontspannen en plezier hebt . Dat gevoel van ‘writersblock’ is iets wat voor elke artiest, zowel dj’s als producers verschrikkelijk is.  Het idee van een writersblock lijkt vaker te gebeuren hoe langer je met je passie bezig bent. Wanneer je voor het eerst begint met produceren, is er altijd heel veel informatie waar je ideeën uit kan halen. Je bent de hele tijd aan het zoeken naar advies of nieuwe technieken die je kunt gebruiken. Het is gemakkelijk omdat er nog zoveel te leren valt. In dit artikel vind je enkele adviezen hoe je hier overheen kan komen en hoe jij je project af kan maken.

writersblock

Blijf doorwerken

Voor een professionele producer is dit soms de enige keuze. Als je niet blijft proberen te produceren, heb je geen resultaat. Het is zeker de meest stressvolle situatie om in te zijn. Voor veel mensen is het lastig om de creatieve hindernissen te overwinnen en het is 1 van de grootste obstakels dat ze misschien zelfs tegenhoudt een carrière in de muziek te overwegen.

 

Geplaatst op

Beat placement, hoe krijg ik deze?

Van je zolderkamer naar het grote publiek

Een van de meest populaire vragen die ambitieuze muziekproducers hebben is ‘Hoe krijg ik beat plaatsingen?’. Veel producers krijgen hun beats niet naar het grote publiek en daarom is het belangrijk om te weten hoe ze beat plaatsingen kunnen krijgen.

In de muziekindustrie zijn beat placements de term voor wanneer je een beat maakt en deze vervolgens aan een andere partij verkoopt voor exclusieve rechten. Dit kan betekenen dat je het aan een persoon of platenlabel verkoopt (Taylor Swift koopt het nummer, ze neemt haar vocalen voor dat nummer op en besluit het te gebruiken op haar nieuwe album). Of misschien is het verkocht aan MTV om als achtergrondmuziek te worden gebruikt in een realityshow. Als je het nummer hebt gemaakt en hebt verkocht, wordt het als een ‘placement’ beschouwd. Maar hoe krijg jij dit voor elkaar? Er zijn een aantal manieren om op te vallen in deze markt.

beat plaatsingen

(Boi-1da, producer van artiesten als Drake, Rihanna, Eminem, Nicki Minaj, Kendrick Lamar en meer.)

Maak muziek van hoge kwaliteit

Dit is het allerbelangrijkste. Zoals alles op de markt moet jouw product goed zijn. Er zal altijd een hogere vraag naar hogere kwaliteit zijn. Dus, hoe doe je dit? Ervaring en veel bezig zijn. Je moet veel uren besteden aan jouw vak. Leer, bestudeer en probeer dingen. Werk samen met mensen. Verzamel feedback van mensen die je vertrouwt. YouTube is je beste vriend. Het is gratis en er is een overvloed aan informatie. Zorg er altijd voor dat je mixen goed klinken. Als je niet weet hoe je je tracks goed moet mixen, oefen dan. Of zoek iemand die dat kan en het initiatief neemt om dat mogelijk te maken. Je kan ook ons andere blog over muziek mixen hier lezen.

Ga op onderzoek uit

Probeer je een beat aan Migos te verkopen voor hun nieuwe album? Doe wat nodig is om erachter te komen hoe je een stap dichterbij kunt komen om dit voor elkaar te krijgen. Zoek uit wie de juiste personen zijn om jouw te helpen. Welke kanalen kun je verkennen om dichter bij iemand te komen die jouw muziek mogelijk met hen kan delen? Tip. Kijk naar hun vorige albumcredits en bekijk alle betrokken personen (producers, engineers, A & R’s, managers, grafische ontwerpers enz.).

Wil jij je beats juist op tv en film krijgen? Hiervoor geldt dezelfde aanpak. Zoek uit wie de “muziek supervisor” is voor deze bedrijven. Het proces is hetzelfde voor iedereen. Vind de juiste mensen en benader deze met een tactisch plan. Afwachten zal nooit werken.

Zorg dat je met zoveel mogelijk mensen in contact komt

Hoe meer mensen je kent, hoe beter je kansen op een placement. Ook hier speelt het concept “op alle mogelijke manieren” een belangrijke rol. Gebruik alle kanalen op internet. Ontdek waar en wanneer bepaalde evenementen gehouden worden (seminars, schrijverskampen enz.) en ga daar naartoe. Elke plaatsing die je krijgt, is het resultaat van iemand die je kent binnen jouw netwerk. Het is altijd zo geweest, en het zal nooit veranderen. Begin met je collega’s. Zoek zoveel mogelijk producers op die op hetzelfde niveau als jou zitten (regionaal, nationaal). Ga samenwerken en vraag feedback aan elkaar. Dit is zo belangrijk om samen te kunnen groeien en je kansen te vergroten.

Bezoek zo vaak mogelijk de grote steden

Als je al in een grote stad woont, geweldig. Alle actie vindt namelijk plaats in de grote steden. Amsterdam, Rotterdam, Den Haag, Utrecht, Breda etc. Je kan zelfs naar London, New York. Los Angeles. Miami. Atlanta etc. Maar waar je ook bent, ga vooral richting een grote stad. Je hebt een betere kans om hier de juiste mensen te vinden/ontmoeten. Dit zijn omgevingen die je kunnen helpen jouw doelen te bereiken. Het internet is geweldig, maar er gaat niets boven menselijke communicatie. Je kunt meer impact op iemand hebben door hem persoonlijk te ontmoeten. DM’s kunnen je alleen maar tot een bepaald punt helpen.

Bezoek zoveel mogelijk opnamestudio’s

Je weet nooit wie je tegen zult komen. Als je bijvoorbeeld in Amsterdam bent, boek dan wat studiotijd bij Cruise Control Recording Studio’s. Het is één van de studio’s waar grote artiesten veel van hun tracks opnemen. Je hebt veel kans om daar iemand tegen te komen die je waarschijnlijk moet of wilt leren kennen. Maar hoe leer je ze kennen? Dat is weer een heel ander verhaal. Ik kan je niet vertellen wat je moet doen als je eenmaal oog in oog staat met iemand, je hoeft het alleen maar te doen.

Heb zelfvertrouwen

Vertrouwen staat centraal. Het zal helpen bij elk onderdeel van het bereiken van je doelen. Bovendien vinden mensen het prettig om zelfverzekerde energie te hebben. Een goede houding zal je automatisch meer zelfvertrouwen geven. Als je een krachtige houding aanneemt voordat je een belangrijk iemand in een bepaalde situatie tegenkomt, zal dat de manier van communicatie zeker beïnvloeden. Je zult je meteen alerter en sterker voelen. Dus of je nu loopt, zit of staat, gebruik je lichaam op een zelfverzekerde manier.

Wees actief op al je social-media kanalen

Het eerste dat mensen gaan doen om meer over jou te weten te komen is kijken naar je Instagram, Facebook etc. Jouw online portfolio moet er clean en professioneel uitzien. Dit is een heel belangrijk onderdeel binnen de muziekindustrie.

Besteed veel tijd om de zichtbaarheid van jouw social media te behouden. Je kan de meest geweldige muziek hebben, maar als het niet goed wordt gepresenteerd, dan schiet je tekort. Je moet op zijn minst actief zijn op o.a. Facebook, Instagram, Snapchat, SoundCloud, YouTube en een persoonlijke website hebben. Elk van deze kanalen is eigenlijk gratis te gebruiken. Als je ze niet gebruikt, maak je het jezelf heel lastig.

Wacht niet af, neem initiatief

Er is in het begin geen magisch persoon of bedrijf dat allemaal beat plaatsingen voor jou gaat regelen. Zo werkt het niet, en het zal nooit gebeuren. Misschien heb je managers, A&R’s en andere artiesten waarmee je op een bepaald punt in je carrière kan gaan samenwerken. Deze mensen kunnen je goed op weg helpen, maar het beste wat je kunt doen is de touwtjes in eigen handen nemen (ook als er veel mensen voor jou werken).

Laat je niet ontmoedigen

Geloof het of niet, er is meer dan genoeg gelegenheid en geld voor iedereen. Als je een mogelijkheid voor een beat placement mist, hoeft je je nog geen zorgen te maken. Weet gewoon dat voor elke deur die sluit, er ergens anders twee open zullen gaan. Wees hard en blijf werken, jouw kans komt vanzelf.

Conclusie

Er is natuurlijk nog zoveel meer wanneer het gaat om het verdienen van beat placements, maar deze stappen zullen je zeker op weg helpen. Het heeft mij zeker geholpen. Het onderliggende thema hierbij is om altijd “de touwtjes in eigen handen te houden”. Dit is cruciaal om meer beat plaatsingen te krijgen als muziekproducer.

 

 

 

Geplaatst op

Hoe kan ik getekend worden bij een label?

Deal or no deal?

De meeste artiesten denken dat het ondertekenen van een contract hun muzikale carrière van de ene dag op de andere zal veranderen. Maar weet je wat een label voor je kan doen en of het de beste richting voor je muziek is? Een deal tekenen bij een label kan voor sommige artiesten fantastisch zijn, maar verschrikkelijk voor anderen. Dus laten we de voor- en nadelen van het ondertekenen met een platenlabel bekijken. Bij welke labels kan jij tekenen en welke contracten bieden zij aan?

Het is vrij duidelijk waarom artiesten een platencontract willen ondertekenen. Alle grote labels domineren de charts. Artiesten willen dat niveau van succes en ze zien een label als de enige manier om er te komen. De onafhankelijke labels/artiesten hebben echter ook succes gehad. Een van die successen was Macklemore, die besloot om zijn debuutsingle ‘Thrift Shop’ volledig onafhankelijk zonder label uit te brengen. Dit levert Macklemore op dit moment een nettowaarde van $ 18 miljoen op.

Je kunt volledig independent blijven of mogelijk een deal met een groot label sluiten. Maar wat zijn de voor en nadelen?

label

Hoe gaan labels tegenwoordig te werk?

Wat een platenlabel een artiest vandaag de dag biedt, heeft enorm moeten veranderen vanwege de grote veranderingen in de muziekindustrie. Tegenwoordig moet het label zich richten op aanwezigheid op social media, samenwerkingen met grote merken, relaties met digitale streamingplatformen (Spotify, Apple Music, YouTube) en algemene groei van het aantal fans buiten de muziekverkoop. Als een label jou dit niet biedt, wat is dan het voordeel?

In de afgelopen jaren heb je misschien grote labels gezien die mensen getekend hebben die ‘viral’ zijn gegaan of zijn opgeblazen op sociale media. Voorbeelden zijn de ‘Cash Me Outside girl’ en ‘Walmart Yodelling Kid’, beide getekend bij Atlantic Records. Dit is alleen het bewijs dat grote labels op zoek zijn naar de volgende virale trends, zodat ze onmiddellijk een gegarandeerd inkomen kunnen genereren van die artiest.

Het algemene bedrijfsmodel van labels moet wel met de tijd mee veranderen, wat betekent dat artiesten tegenwoordig niet meer zo makkelijk een label kunnen benaderen voor een deal. Een label zoekt naar artiesten die veelgevraagd zijn, of als ze potentieel zien, of dit nu via social media, live-evenementen of zelfs gewoon extreem goede verkoop van jouw muziek is. Dit kan verschillen voor onafhankelijke labels die zich in de loop van de tijd meer op de ontwikkeling van de artiesten richten.

Voordat je erover nadenkt om te tekenen, moet je je geluid zo duidelijk mogelijk hebben, je sociale vaardigheden laten groeien door goede content te maken en je algehele branding te perfectioneren.

Indie vs. Majors

In theorie kan iedereen zeggen dat ze een platenlabel zijn. Dus het is essentieel dat je het verschil weet en onderzoekt wie wat doet.

Een platenlabel wordt als onafhankelijk gedefinieerd als het volledig onafhankelijk wordt gefinancierd en helemaal niet is verbonden met een van de belangrijkste major labels. In tegenstelling tot grote internationale labels die genoeg geld hebben om hun eigen publicaties, distributie en marketing uit te voeren, besteden indie-labels alles uit aan andere bedrijven en werken ze alleen met externe middelen om hun artiesten te laten groeien. Een groot label is gedefinieerd als een label dat een hoog percentage van de jaarlijkse verkoop van platen in bezit heeft en al zijn eigen inhoud kan publiceren, distribueren en verkopen. Het onderscheid tussen indies en majors is behoorlijk overdreven in de pers, maar het grote verkoopargument van een groot platenlabel is natuurlijk het financiële plaatje.

Majors

Veel mensen lijken te geloven dat platenmaatschappijen zijn vervaagd, of dat alle artiesten plotseling onafhankelijk zijn. Dit is niet waar, maar van de zes grote labels, zijn er nu nog maar drie over. Dit zijn Sony, Warner Music Group en Universal, dat in 2017 na het fuseren met EMI het grootste internationale label is. Labels zijn niet verdwenen of gestopt met het produceren van bekende artiesten, ze moeten zich gewoon aanpassen aan de tijd. Dit betekent dat ze technologisch geavanceerder moeten zijn, wat veel artiesten zelf  kunnen doen, onafhankelijk.

Wanneer je een deal tekent, teken je vaak een groot percentage van je muziekverkoop weg. Dit lijkt misschien een beetje raar, maar door een percentage van je inkomsten weg te geven, besteedt het platenlabel meer aan je progressie en muzikale groei. Volgens TheRoot pakt het label $ 23,40 voor elke verkochte $ 1.000 aan jouw muziek. Terwijl Digital Music News zegt dat niet-getekende artiesten 4x meer verdienen met streamen dan artiesten bij de grote labels, dus daar moet je rekening mee houden.

Hoewel je bij de majors een groter percentage van je verkoop weggeeft, heb je meer mogelijkheden qua grote van de distributie, boekingsagenten, top producers en marketingbureaus. Dit bewijst dat de grote labels het budget hebben om toegang te krijgen tot eersteklas professionals.

label

Indie

Met een groot label heb je waarschijnlijk een aanspreekpunt maar met het snelle personeelsverloop bij de majors, kun je op een ochtend wakker worden en erachter komen dat deze er niet langer werkt en het hele label heeft geen interesse meer heeft. De indie-labels hebben vaker een meer persoonlijke benadering omdat hun team kleiner is. Zij kunnen jou helpen net zoals jouw muziek hen kan helpen. Zij krijgen vaak sterke relaties met hun selectie, wat betekent dat het een langlopend contract is, in tegenstelling tot de majors die artiesten extreem snel kunnen laten vallen.

Wat duidelijk is, is het grote verschil tussen indie en major labels. Het probleem met onafhankelijke labels is dat ze enorm in omvang, succes en geld kunnen variëren. Dit kan vaak een twijfel puntje zijn. Je moet de voor- en nadelen afwegen, maar ook kijken naar wat je wilt bereiken door bij een label te zitten. Als je de labels wilt geven wat ze willen, wat in essentie het geluid is dat op dit moment het meest ‘in’ is, dan is een belangrijk label geschikt. Maar als je je roots wilt behouden en een legitieme fanbase wilt opbouwen, dan is een onafhankelijke label meer geschikt voor jou.

Hoe kan je de aandacht van labels trekken?

Het is moeilijk om in contact te komen met labels, vooral omdat er zoveel artiesten dromen om bij een groot label te worden getekend.

Het geheim om bij een groot label te komen, is om niet te proberen een contract bij een groot label te krijgen. Artiesten gaan ervan uit dat hun muziek de reden is dat een groot label ze tekent, maar grote labels zoeken naar artiesten die een totaal plaatje leveren. Vanwege technologische vooruitgang is het onmogelijk voor een artiest om volledig te ontploffen vanwege het Spotify- of YouTube-algoritme, wat betekent dat labels op zoek zijn naar artiesten die al een fanbase hebben en nummers die maandelijks grote streams genereren. Labels zullen niet snel meer een risico nemen voor een artiest die alleen maar goede muziek heeft.

De belangrijkste labels hebben A&R-teams die voortdurend in Spotify-afspeellijsten scouten en op zoek zijn naar artiesten die aan het opkomen zijn en een loyale fanbase hebben die groot genoeg is om hun shows te verkopen. Maar soms kan je pech hebben en gemist worden door de A&R-vertegenwoordigers, dus dit kan je helpen op te vallen:

1. Zorg ervoor dat je muziek op blogs te horen is

A&R’s houden van nature van muziek, ze luisteren voortdurend muziek en lezen over de nieuwste bands/artiesten die de aandacht van de pers krijgen. Dus als jij op blogs wordt gezien, kan dit de eerste stap zijn om op de radar van de labels te komen. Om op blogs te verschijnen, kun je platforms zoals Submithub gebruiken. Of als je het budget hebt, overwegen een PR-campagne te nemen.

2. Zoek naar mensen op Linkedin die invloed hebben

De gemakkelijkste plaats om A&R’s van de grote labels te vinden, is Linkedin. Met de zoekfunctie kun je zoeken naar mensen op basis van het label waar ze werken en hun functie. Je kunt dan contact met ze maken en je Linkedin-status bijwerken met waardevolle informatie waarin ze geïnteresseerd zijn, waaronder  je muziek. We raden af ​​hen rechtstreeks op Linkedin te benaderen, omdat ze constant berichten krijgen op dit gebied. Een tip; wanneer je eenmaal bent verbonden met hen, ga naar hun profiel en klik op ‘Contactgegevens’. Het laat hun e-mailadres zien waar je persoonlijk contact met ze kan opnemen.

3. Vind de e-mailadressen van A&R’s

Nadat je Linkedin hebt gebruikt om de namen van de A&R’s bij elk label te vinden, kun je contact met ze maken. Er is maar een kleine kans dat ze je uitnodiging ook daadwerkelijk accepteren, dus wat is de volgende stap?

Je moet ze een e-mail sturen en hen laten kennismaken met je muziek. Het vinden van hun e-mailadres is bijna onmogelijk, maar een industrie-geheim is om een platform zoals Hunter.io te gebruiken, dit zal het internet doorzoeken voor e-mailadressen bij dat bedrijf, en het zal de formule kunnen vinden die wordt gebruikt voor de e-mail van het bedrijf adressen.

Wat voor soort deal moet ik tekenen?

  • Production deal

In plaats van rechtstreeks bij het label te tekenen, onderteken je een Production Deal. Hierbij teken je bij een specifieke producer die een overeenkomst heeft met het label om artiesten te helpen ontwikkelen. Dit soort deals zijn meer voor de ontwikkeling van een artiest, waardoor je een beter product kunt maken. Dit zal op termijn een grotere fanbase creëren. Klinkt goed toch? Het nadeel is hier wel dat in veel deals de producer 50 % van de royalties pakt. Lees daarom alles zorgvuldig en door en weeg af of het op lange termijn echt voordelig is.

  • Distribution deal

Deze deal spreekt voor zich. Er wordt van je verwacht dat je het volledig pakket klaarmaakt en dat het label het product vervolgens uitbrengt. Dit omvat alles van albums tot muziekvideo’s en deze gaan uit op de belangrijkste digitale kanalen van het label. Dit soort deals zijn fantastisch voor een artiest omdat het je product op plekken krijgt wat eerder niet mogelijk leek. Maar het label pakt hier ongeveer een percentage 25% van de inkomsten af.

  • Major label deal

Dit is het soort deal waar de meeste muzikanten van dromen en zien als de typische ‘deal’. In deze deal maakt het label een deel uit van jouw algemene ontwikkeling. Dit is het opnameproces, distributie en marketing en in de meeste gevallen zal het label alle uitgaven dekken. Deze soort deals kunnen zeer complex zijn en verschillen, maar meestal ontvangt de artiest ongeveer 15% van de inkomsten.

  • De 360 deal

Velen geloven dat dit de toekomst is van label deals, dit is de nieuwste en meest succesvolle deal die artiesten kunnen maken. Deze deal omvat alle aspecten van de ontwikkeling, het management, de touring en de merkgroei van artiesten in ruil voor een groot percentage van de inkomsten die op alle kanalen worden gegenereerd. Niet alleen de muziekverkoop. Het voordeel van deze deal is dat het label 100% aan jouw kant werkt en al hun contacten en tools gebruikt om je te laten groeien.

De 360 Deal wordt de go-to deal voor labels in 2019. Het biedt een service die de hele carrière van de artiest verzorgt. Hoewel de artiest alle steun en aandacht van het label krijgt, is er wat gedoe rond het idee. Veel mensen zien het als alleen echt winstgevend voor het label. Hoe dan ook, de 360-deal wordt steeds gebruikelijker.

Heb ik nou echt een deal bij een label nodig?

Grote platenmaatschappijen zijn natuurlijk bedrijven en doen er alles aan om winst te maken. Elk beetje hulp dat jij krijgt van een label, of dat nu een investering is in je muziek, merk of marketing, is om uiteindelijk winst te maken voor zichzelf. Dit brengt problemen met zich mee, omdat de artiest waarschijnlijk de controle over de rechten verliest, kan dit ook invloed op de creativiteit hebben, wat betekent dat je je comfortabel moet voelen als je ja zegt tegen een deal.

Het vinden van succes in muziek is een moeilijk iets, maar in dit digitale tijdperk zijn er een hoop tools die artiesten kunnen helpen bij het opnemen en promoten van hun eigen muziek. Dit maakt het ondertekenen van een deal in een vroeg stadium zinloos. Met mensen die steeds meer via Youtube of streaming naar muziek luisteren, is dit voor onafhankelijke artiesten steeds makkelijker zonder de hulp van een groot label. Pitching naar YouTubers, playlist-curators en editors van Spotify, geeft alle artiesten de kans om hun muziek te laten horen. Naast streaming is de groei van social media, met bijna de helft van de wereldbevolking, ook heel belangrijk hierin. Social media biedt onafhankelijke artiesten het potentieel om miljoenen mensen te bereiken. De grootste labels hebben de contacten, wat helpt, maar het is nog steeds 100%  haalbaar om als independent artiest aan de slag te gaan.

Conclusie

De muziek industrie verandert constant. Elke dag is er potentieel voor onafhankelijke artiesten om te groeien via nieuwe platformen. Misschien zal een label een streamingdienst uitbetalen, waardoor het vrijwel onmogelijk wordt voor onafhankelijke artiesten om door hen opgepikt te worden. Je weet nooit wat er zal gebeuren. Zorg er daarom voor dat je de nieuwste ontwikkelingen goed in de gaten blijft houden. Dit kan voor jou misschien het verschil maken!

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Geplaatst op

Hoe Hip-Hop de Top 40 overnam

De top 40 wordt door de Hip-Hop gedomineerd

Het is officieel. Hiphop en R&B hebben de top 40 overgenomen als het grootste genre op dit moment. Een muziekrapport van Nielsen wees uit dat acht van de top tien meest populaire albums van het afgelopen jaar hip-hop of R&B-platen waren, in vergelijking met andere genres als Rock, Pop. Artiesten als Kanye West, Beyonce, Drake en Bruno Mars domineren al langer de mainstream met hun muziek. Maar nu zijn hun genres officieel de allergrootste. Maar hoe is deze transformatie tot stand gekomen?

Muzikale grenzen zijn vervaagd

In zekere zin is het niet logisch om te stellen dat Hip-Hop met de Pop muziek van nu aan het strijden is om wie het bestverkopende muziek genre is. Het is beter om te zeggen dat Hip-Hop de popmuziek heeft beïnvloed. Popmuziek is nu Hip-Hop/R&B, in veel gevallen. Zelfs Ed Sheeran, wiens album bovenaan de hitlijsten stond en als een popartiest werd beschouwd, heeft Hip-Hop/R&B in zijn songs verwerkt. Taylor Swift, wiens album meer exemplaren verkocht dan wie dan ook, heeft ook grote invloeden van dit genre in haar muziek verwerkt. R&B en hip-hop zijn zo’n groot onderdeel van populaire muziek dat het voor een mainstream-album niet ongebruikelijk is om een beetje zoals Hip-Hop te klinken. En dat is een bewijs van het succes van het genre op dit moment.

top 40 hip-hop

Van alternatief naar toekomstperspectief

Er was een tijd dat hip-hop alleen leek te bestaan ​​in een alternatief universum voor de reguliere top40. Sommige artiesten, zoals Snoop Dogg en Eminem, hadden een crossover-succes. Terwijl anderen, zoals Rakim en Big Daddy Kane, op zichzelf enorme sterren waren zonder ooit volledig over te steken naar, of invloeden te gebruiken van een ander genre. De grootste rappers van onze tijd zijn bekende namen. Zelfs je oma heeft weleens gehoord van Kanye West. 😉 Toen Biggie Smalls rapte “You never thought hip-hop would take it this far” in 1994, richtte hij zich tot een aantal critici die dachten dat hip-hop maar een rage/hype zou zijn. Maar misschien was hij zelfs verrast geweest om te zien hoe ver hip-hop het de dag van vandaag gemaakt heeft in de top 40. Kanye West en Drake zijn op dit moment 2 van de grootste muzikale iconen, met nog meer rappers zoals Kendrick Lamar en indie-rappers zoals Chance the Rapper. Deze rappers zijn ​​naast R&B artiesten zoals Beyonce, Rihanna, Bruno Mars en The Weeknd, de grootsten ter wereld, ongeacht het genre. Dit, in combinatie met de invloed van Hip-Hop op de top 40, maakt het gemakkelijk om te zien hoe bijvoorbeeld rockmuziek als het grootste muziekgenre ter wereld is ingehaald.

De invloed van streaming

De reden dat steeds meer van deze hip-hop nummers in de top 40 verschijnen, is eenvoudig te verklaren. Dit komt doordat er een beslissing is genomen om streaming en digitale nummers mee te laten tellen. Mainstream charts bevatten nu track-equivalenten, wat betekent dat 150 streams van een nummer gelijk staat aan één verkocht nummer. Mensen luisteren steeds meer naar muziek via services zoals Soundcloud, Spotify, Apple Music en zelfs YouTube. Deze verandering in de top 40 charts goed te zien.

Het is daarom ook alleen maar logisch dat hip-hop muziek al snel alle streamingplatforms domineert. Gebruikers van streamingdiensten zijn jong en het is geen geheim dat hip-hop sneller de jongeren weet aan te trekken. Streamingdiensten zijn ook gratis (Soundcloud) of goedkoop (Spotify-abonnementen kosten €5 per maand voor studenten).

top 40 hip-hop

(Je ziet dat fysieke releases als LP’s & CD’s de afgelopen jaren enorm achteruit zijn gegaan. Streaming en digitale verkoop hebben daarentegen een enorme groei doorgemaakt.)

Wil jij meer weten over het verdienen van geld door streaming? Lees ons andere blog dan hier

Soundcloud rappers

Een platform als Soundcloud zorgt tegenwoordig voor een heel gemakkelijk podium. Jongeren/rappers die nummers in hun slaapkamer maken, kunnen hun muziek naast multi-platina-artiesten hebben staan. Een “hussle” mentaliteit is altijd al een belangrijk onderdeel van hip-hop geweest als genre. Het is dus logisch dat Soundcloud de meest ideale plek is om nieuwe nummers en mixtapes uit te brengen. In de hoop zo een nachtelijke sensatie te worden.

In januari van dit jaar is er een telling gedaan van de meest gestreamde nummers aller tijden van Soundcloud. Maar liefst 41 van 50 nummers vielen in de categorie hip-hop.

De invloed van hip-hop op Nederland

Ook in Nederland wordt veel naar hip-hop op Spotify geluisterd. Acht van de top tien meest beluisterde artiesten van het afgelopen jaar waren zelfs Nederlandse rappers (Jaarlijkse cijfers Spotify).

Meest beluisterde artiesten op Spotify in Nederland 2018:

1.     Josylvio

2.     Ronnie Flex

3.     Lil’ Kleine

4.     Frenna

5.     Bizzey

6.     Drake

7.     Boef

8.     Broederliefde

9.     Ed Sheeran

10.   Sevn Alias

Nederlandse hip-hop is niet meer ‘aan het opkomen’, het domineert ook de top 40 van ons land. De cijfers van Nederlandse hip-hop zijn extreem, per nummer worden er al gauw miljoenen streams gepakt. Records na records worden verbroken. Een van de geheimen achter dit enorme succes zijn de afspeellijsten van Spotify. En als je het over hip-hop hebt, is maar één afspeellijst echt de grootste: Woordenschat. Voor rappers is dit daarom dan ook heel belangrijk. Als je daar inkomt, zullen je streams snel omhoog gaan.

Conclusie

Er bestaat geen twijfel dat de hip-hop scene zal blijven groeien. Het genre beïnvloedt jongere generaties en past zich voortdurend aan de huidige trends aan. Vanuit een commercieel punt ziet de toekomst van dit genre er goed uit. Waar je vroeger nog perse de major record labels als Sony, MCA, Universal, RCA, Warner Bros nodig had, kan je nu als independent zelf je muziek uitbrengen en naar het grote publiek krijgen. De muziekindustrie zal zich blijven ontwikkelen/veranderen en genres zullen blijven komen en gaan. Hoe dan ook, het gaan interessante jaren worden.

 

 

Geplaatst op

Ghost productie

Ghost productie was altijd al onderdeel van de muziek. Waarom is dit zo’n groot probleem?

Wat als ik je zou zeggen dat je favoriete nummer niet echt door die producer is gemaakt? En dat sommige van de grootste artiesten anderen betalen om hun muziek voor hen te maken? Ik haat het om je dit zo te vertellen, maar het is waar.

Ghost productie bestaat al jaren in de industrie. Dit is nog steeds, tot op de dag van vandaag, een van de meest negatieve en besproken onderwerpen.

De term betekent dat een muziekproducer een nummer maakt voor een andere artiest. De artiest betaalt de producer en brengt deze track vervolgens onder zijn / haar eigen naam uit zonder vermelding. Ghost producers krijgen hiervoor meestal een vast bedrag of een inkomen in de vorm van royalties. Er echter wel vaak is een misvatting dat ghost producties alleen bestaan in EDM, hoogstwaarschijnlijk omdat dit genre de plek is dat het meeste aandacht krijgt als het gaat over dit onderwerp. Ghost productie bestaat al jaren in bijna elk muziekgenre dat een groot commercieel publiek aantrekt. Denk aan artiesten in hiphop, popmuziek of r&b. Het is zeer waarschijnlijk dat ze ooit een ghost producer hebben gebruikt in hun carrière.

ghost productie

De discussie

In het EDM-genre worden ghost producties vaak negatief besproken. Deze scène is daarin aardig uniek, in andere muziekgenres wordt dit nooit tot nauwelijks besproken. Critici beschrijven dj’s die ghost producties gebruiken vaak als niet creatief, en fan bedriegend. Maar er zijn ook verschillende positieve kanten aan ghost productie die vaak niet ter discussie komen.

Het is belangrijk om te weten dat veel producers er de voorkeur aan geven om buiten de aandacht te blijven. Slechts een klein aantal kan omgaan met de roem, de levensstijl en de druk van de moderne EDM-business. Ghost productie geeft de zogenaamde “slaapkamerproducers” een kans om hun geld te verdienen met iets wat ze graag doen, muziek maken. Als een grote DJ een positieve beoordeling geeft voor een nummer dat is gemaakt door een ghost producer, kan dat alleen al genoeg zijn om de rekeningen vele jaren te betalen.

David Guetta is één van de vele EDM-artiesten die worden beschuldigd van het gebruiken van ghostproducers. Hij zegt: “Iedereen heeft hulp, niemand produceert, mixed en mastered zijn eigen muziek helemaal zelf.” Sommigen zullen er een hekel hebben om het toe te geven, maar hij heeft een punt.

Hoewel er geen vaste regel is over hoeveel mensen moeten of kunnen bijdragen aan een track, is het een feit dat er vaak veel chef-koks in 1 keuken zijn. Als je kijkt naar de pop muziek, dan zijn er vaak complete teams van producers, schrijvers, vocalisten en mixing/mastering engineers die worden ingehuurd om aan een nummer te werken van begin tot einde. De voorwaarden en regelingen verschillen per contract, maar deze zogenaamde “ghosts” innen meestal wel auteursrechten en royalty’s. Maar natuurlijk zijn er uitzonderingen. Sommige DJ’s zijn vaak ook zelf briljante producers die alles van A-Z helemaal zelf maken en daar meer voldoening uit halen.

Of je het nu leuk vindt of niet, het is misschien tijd om te erkennen dat ghost writing en het gebruik van ghost productie al vanaf het begin deel uitmaken van de muziek, afgezien van het feit dat de meeste dj’s vaak de muziek van anderen draaien. Er zijn verschillende redenen waarom dj’s hulp vragen, maar het heeft meestal te maken met het feit dat zelfs de beste producers/dj’s niet altijd even technisch zijn.

De voor en nadelen van ghost productie

Het is duidelijk dat ghost productie een veel besproken onderwerp is, maar het kan ook heel nuttig zijn voor beide partijen. Laten we eens kijken naar de positieve kanten van ghost productie.

Voor de producer:

  • Geld verdienen door iets te doen waar je veel passie voor hebt. Als bekendheid je niet interesseert, maar je wil wel geld verdienen met produceren, is dit een perfect iets voor jou om te doen.
  • Je zal bekende klanten ontmoeten en met elk een goede professionele relatie opbouwen, wat goed van pas kan komen voor je carrière en jouw toekomst.
  • Werken volgens je eigen planning in plaats van een 9-tot-5 kantoor baantje.
  • Je kan zelf bepalen wat je verkoopt en voor hoeveel je voor een track vraagt, je kan $ 1.000 tot $ 20.000 per track verdienen voor de grooste DJ’s.

Voor de koper:

  • Jezelf tijd besparen door jouw werk aan een andere producer uit te besteden
  • Als je vaak optreed, hoef je geen tijd in je drukke schema te vinden om in de studio te werken en kun je je richten op het perfectioneren van je live optredens. Vooral tijdens het festivalseizoen is het een uitdaging voor DJ’s om tegelijkertijd nieuwe nummers te produceren en van land naar land te vliegen voor shows. Hierdoor heb je vaak geen tijd om uren in een studio door te brengen. Je kan er dus voor kiezen om iemand te betalen om dit te doen.

Aan de andere kant zijn er ook negatieve punten.

Voor de producer:

  • Geen credits of erkenning ontvangen voor de nummers die je geproduceerd hebt. Stel dat een van je nummers een wereldwijde hit wordt. Je mag hier niets van zeggen en melden dat jij het was. Je wordt gedwongen om te zien hoe iemand anders er met de eer van doorgaat.
  • Contracten kunnen problemen veroorzaken. Ze kunnen de producer blokkeren en hen niet toestaan om op dat moment ander werk te doen, waardoor ze hun klantenlijst niet kunnen uitbreiden en niet andere inkomsten verdienen. Als je een NDA (Geheimhoudingsverklaring) ondertekent, kan jij jouw werk helemaal met niemand bespreken. Je moet op je hoede zijn voor het risico dat je neemt door met bepaalde klanten in zee te gaan.

Voor de koper:

  • Je verliest een creatieve uitlaatklep door het aan iemand anders uit te besteden.
  • De tracks zullen minder authentiek zijn, doordat iemand anders het produceert.
  • Je zit niet samen met een ghost producer in de studio, qua communicatie en creatieve input is het dan lastiger om iets te krijgen wat je 100 % top vindt.

ghost productie

Aan welke kant sta jij?

Ongeacht aan welke kant je staat als het gaat om het onderwerp ghost productie, er zijn altijd voordelen nadelen. Maar wees niet te snel met oordelen en te geloven dat dit taboe alleen binnen de EDM scene. Denk er zo over na: welk genre luister jij waarbij jij denkt dat er nog nooit ghostproducer zijn gebruikt? Denk ook aan ghostwriters (mensen die liedjes schrijven voor beroemde zangers en artiesten). Frank Sinatra, Justin Bieber, Britney Spears, zoveel grote artiesten hebben nooit tot amper eigen nummers geschreven of weten niet hoe ze moeten produceren.  Hoe vaak het onderwerp nog opnieuw zal worden besproken, één ding is duidelijk: ghost productie zal niet snel verdwijnen.

Conclusie

Ghost producers bestaan al heel lang, in verschillende genres. Bands en popsterren hebben ghosts gebruikt. Enkele van de grootste namen in de popcultuur hebben nooit hun eigen nummers geschreven of hun eigen nummers bedacht, maar toch worden deze nummers het hardst meegezongen. Dus waarom is het zo’n enorme discussie geworden? Mensen die al jarenlang fan zijn van artiesten in de EDM kunnen schrikken wanneer ze beseffen dat dezelfde manieren van werken die worden gebruikt door popsterren en nog meer, ook van toepassing zijn in de scene waar hun van houden.

De 2 vragen die jezelf zou moeten stellen zijn:

  1. Wat is de reden dat jij van een bepaalde artiest houdt? Is het de muziek alleen of ook de beleving die een artiest met zich meebrengt?
  2. Is het volgens jou acceptabel dat een artiest zijn eigen muziek niet produceert of schrijft? En zal je de muziek daarom minder leuk vinden of minder waarderen?

Laat ons in de reactie’s weten wat jouw mening is binnen deze hele discussie!

 

 

 

 

 

 

Geplaatst op

5 tips voor het opnemen van betere vocalen

Hoe kan ik zo goed mogelijk vocalen opnemen?

Het opnemen van vocalen in de studio klinkt vaak als een eenvoudige taak. Je plaatst een microfoon, laat de zanger(es) ervoor staan, geef diegene een koptelefoon en je druk op de opnameknop. Hoewel dit in essentie de basis is, zijn er een paar dingen die ik in de loop der jaren heb geleerd die me enorm geholpen hebben om beter klinkende vocalen op te nemen. Een goed klinkende stem is 1 van de belangrijkste onderdelen van moderne rock-, pop- en hip-hop, dus je wilt dit goed doen. Hier zijn 5 tips voor het opnemen van betere vocalen.

vocals opnemen

1. Geef de vocalist een goede mix over zijn/haar koptelefoon

Zorg ervoor dat de artiest heeft wat hij of zij nodig heeft in zijn koptelefoon mix, zodat deze op hun allerbest kunnen presteren. Artiesten kunnen mogelijk niet goed hun behoeften communiceren, dus het is aan jou om hun koptelefoon mix te controleren en met hen te communiceren. Stel hen vragen:

  1. Heb je je eigen koptelefoon die je liever gebruikt?
  2. Wil je effecten (Reverb, Delay) horen in je koptelefoon mix?

Als ze geen eigen koptelefoon hebben en je hebt meerdere opties, laat ze verschillende koptelefonen uitproberen. Sommige zangers willen misschien een helder klinkende koptelefoon, en sommigen willen misschien iets met meer lage frequenties. Geef ze wat ze nodig hebben, zodat ze comfortabel en optimaal kunnen presteren.

2. Probeer een zo comfortabel mogelijke sfeer neer te zetten

Lees de kamer en ken je artiest; wat goed is voor de zanger en wat goed is voor een band. Besteed aandacht aan de kleine dingen, zoals de temperatuur in de kamer of de verlichting in de kamer. Een zanger kan de verlichting graag iets helderder hebben, zodat ze hun tekst of juist donkerder, zodat ze zich wat meer geïsoleerd kunnen voelen. Ze willen misschien dat er bijvoorbeeld bandleden aanwezig zijn om hen feedback te geven over hun uitvoering. Sommigen willen misschien alleen zijn, zodat ze zich kunnen concentreren op de emotie van het nummer en de tekst. Je kunt ze ook comfortabel laten voelen door alles helemaal klaar en ready te hebben  voordat ze beginnen met vocalen opnemen. Doe alles wat je kan om een zanger zich op zijn gemak te laten voelen door hun favoriete drankjes aan te bieden, hun microfoon en koptelefoon al in te stellen en hun tekst klaar te hebben liggen.

3. Microfoon keuze

Er zijn honderd verschillende microfoons om uit te kiezen. Je hebt mogelijk vaak 2 of 3 verschillende microfoons tot je beschikking voor het opnemen van vocalen. Als de zanger er klaar voor is, probeer een paar van je microfoons uit en vind degene die volgens jou allebei het beste klinkt voor de betreffende sessie. Maar wat doe je als de zanger zijn eigen microfoon meeneemt? Probeer het. Ze  kunnen geloven dat hun stem het beste klinkt via hun eigen microfoon en als je ze dwingt iets anders te gebruiken, loop je het risico hun prestaties af te zwakken. Prestaties overtreffen altijd de microfoon keuze, ook al is de keuze wel heel belangrijk. Mocht je niet weten welke microfoon je moet hebben of ben je op zoek naar een kwalitatief goede microfoon, check hier en vergelijk.

 

4. Afstand tot de microfoon

Over dit onderwerp zijn vaak discussies. Hoe dicht moet je op of vanaf de microfoon zingen? Ik zou zeggen, sta 15-25 cm van de microfoon af. Hoe dichter je bij een microfoon komt,  hoe meer je het proximity effect krijgt. De mix zal warmer klinken of meer lage frequenties hebben naarmate je dichter bij komt. Mocht de zanger heel dicht bij de microfoon staan en veel bewegingen maken tijdens het opnemen, dan zal de vocal vaak heel dun klinken. Als dit het geval is, verplaats de zanger dan terug om zijn stemgeluid gelijkmatiger te laten klinken.

Als er veel plosieven of harde medeklinkers hoort, moet je een popfilter gebruiken. Dit helpt om de lucht die uit de mond van de zanger komt te verzachten en zorgt ervoor dat die harde “P’s” een goede prestatie kunnen verpesten.

5. Is de zanger klaar om op te nemen?

Je hebt hier 2 verschillende gedachten. De eerste is dat de zanger altijd goed gerepeteerd moet hebben en voorbereid is. Als ze nog steeds proberen de melodie te achterhalen of als het een aantal maanden geleden is dat ze het nummer hebben geschreven, wil je ze laten repeteren zodat ze klaar zijn om te zingen.

Als alternatief werken sommige zangers het beste wanneer ze zich in het moment of in de zone bevinden. Terwijl je andere leden van de band opneemt, heeft de zanger geluisterd, teksten geschreven en de melodie stilletjes in zijn eigen hoofd gezongen. Je hebt nu een vocalist die klaar staat om je een uitstekende prestatie te leveren.

Vaak is de beste vocal degene die je hebt opgenomen toen de zanger gelijk klaar was met schrijven, in de zone en op de juiste plaats was. Als ze teksten hebben geschreven en nog niet hebben gezongen, moeten ze waarschijnlijk repeteren. Als de tekst en melodie klaar zijn en ze zich in de zone bevinden, ga gelijk beginnen met vocals opnemen!

vocals opnemen

Conclusie

Ik hoop dat jullie wat aan deze tips hebben. Maar vergeet 1 ding niet, ruil nooit emoties in voor technische perfectie. Als je een zanger(es) hebt die beide levert, is er niks beter, maar het is ook iets zeldzaams. Door een comfortabele ruimte en prettige werksfeer te creëren voor een zanger(es), creëer je de beste kans om een zo goed mogelijke vocal op te kunnen nemen. Succes!

 

 

 

Geplaatst op

Hoe je een carrière als muziekproducer kunt opbouwen

Hoe start je een carrière als muziekproducer?

Als je van muziek houdt en je voor jezelf bepaald hebt dat je er jouw werk van wilt maken, zou het moeilijkste deel misschien niet zijn om ervoor te gaan, maar om erachter te komen en te kiezen hoe je dit voor jezelf aan gaat pakken. Hieronder heb ik een aantal punten voor jullie die jullie wat richting en houvast kunnen geven.

muziekproducer carrière

1. Bepaal wat succes voor jou is

Je hebt duidelijke doelen nodig voordat je ze kan bereiken. De bredere doelen zijn meestal eenvoudiger. “Ik wil leven van muziek maken.” Natuurlijk, prima. Maar misschien kan het wat specifieker. Voor wie wil je muziek maken? Waar wil je bekend om staan? Met wie wil je samenwerken? Maak grotere doelen en kortetermijndoelen.

Mijn grote doelen zijn het verbeteren van de carrières van de klanten waarmee ik dan zou werken, ik wil graag samen met klanten aan een product werken waar je beide van zou kunnen groeien. Mijn huidige kortetermijndoelen zijn om contacten te maken met een aantal specifieke artiesten, het krijgen van plaatsingen van geproduceerde nummers en onderhandelingen afdwingen over publishing, labels.

2. Zet je trots opzij en zorg voor een begroting

Elk bedrijf heeft een opstartkapitaal nodig en zal kosten blijven krijgen. Mijn bedrijfsmodel vereist een thuisstudio van hoge kwaliteit waar ik al mijn producties kan doen. Ik heb daarvoor ook aardig wat moeten investeren. Mijn bedrijfsmodel vereist ook dat ik budget heb voor reiskosten, onderhoud en sociale uitgaven. Muziek is een lastig veld om inkomsten uit te genereren, zorg dus voor stabiele inkomsten.  Ik ben begonnen met kleine productie en mix opdrachten voor €50 euro. Je moet klein beginnen en een netwerk opbouwen met de klanten waarmee je werkt, dit zal je later alleen maar positieve dingen opleveren. Ik waardeer alle klanten/opdrachtgevers en iedereen waarmee ik heb gewerkt heel erg, ik kan een fatsoenlijk leven leiden met iets wat ik allerliefste doe.

3. Stel een team samen

De welbekende quote zegt het al “Teamwork makes the dream work”. Muziek is een teamsport. Als je een getalenteerde en ambitieuze mixer bent, zoek dan een aantal getalenteerde producers en artiesten op waarmee je kan samenwerken. Je leert, groeit en slaagt samen. Zorg ervoor dat je mensen opzoekt waar je goed mee bent, want je zult (hopelijk) een tijdje lang met ze werken. Als je niet kunt rondkomen en opschieten, zal het niet werken. Als je alleen maar met mensen bent waarmee je aan het rondhangen en chillen bent, mis je het belangrijkste doel: dingen voor elkaar en klaar krijgen. Werk hard en blijf gemotiveerd.

muziekproducer carriere

4. De wijde wereld ingaan

Ze zeggen: “Je kunt nooit beroemd worden in je geboortestad.”  Mwa, maar je kunt zeker niet beroemd worden in je eigen huis. Als je muziek produceert, heb je drie prioriteiten:

  • De daadwerkelijke muziek maken
  • Zorgen dat er inkomsten binnenkomen
  • Je gezicht laten zien en zorgen dat je muziek gehoord wordt

Natuurlijk is de vraag die iedereen dan stelt: “Oke, maar moet ik dan naartoe?”

Als je als mix engineer aan de slag wil gaan, moet je opzoek gaan naar mensen die hun nummers gemixed willen hebben. Je moet ervoor zorgen dat je bij een studio terecht komt. Als je muziek wilt produceren, moet je artiesten en A&R’s ontmoeten. Die mensen zijn overal, ga zoeken naar publishers, adressen van platenlabels enzovoort. Het krijgen van deze informatie kan een beetje graven zijn, maar het is toegankelijk en vindbaar. Waarschijnlijk zal je de woorden “Nee” of “Ik ben druk” vaak te horen krijgen, maar dat is niet erg. Dat is waarom je er gewoon veel op uit moet gaan. Er zijn ook bedrijven die zich specialiseren in het ontwikkelen en verbinden van muziekproducer.

Waar het op neerkomt is: ga op zoek naar potentiële kansen vinden en maak van dat potentieel een echte kans. Zelfs als dit betekent dat je op het laatste moment € 600 moet betalen om voor een studiosessie naar Miami te vliegen.

5. Blijf doorgaan

We horen veel over hele jonge artiesten die erg succesvol worden, of de sensationele succesverhalen die binnen 1 dag kunnen gebeuren. De reden dat we dit meekrijgen, is dat wanneer het gebeurt, het iets is waar mensen graag nieuws over schrijven. In werkelijkheid is het zeer zeldzaam dat mensen plotseling van de ene op andere dag succes hebben. De meeste mensen werken zich een weg omhoog, vol met missers, fouten en leermomenten. Het duurt ongeveer 5 jaar om goede zaken te doen. Muziek is meestal nog lastiger te bereiken. Vooral als je zingt of muziek produceert.

Er zijn dingen die je kan doen om het proces te versnellen. Verzamel de juiste mensen om je heen die je verder kunnen helpen, leg contacten, ga gesprekken aan. Zorg dat jij jouw doel bereikt.

En tot slot..

6. Word echt heel goed in wat je doet

Dit is de bottom line. Muziek is geen gemakkelijke industrie. Het kost talloze uren oefenen en verfijnen van je techniek, of je nu een drummer, songwriter, zanger of producer bent. Zeer weinig mensen worden er goed in geboren. In tegenstelling tot wat vaak wordt gedacht, zullen contacten en geld je carrière niet met zekerheid vastzetten. Het kan ook geen kwaad om onderweg een aantal andere gerelateerde vaardigheden/skills op te pikken die je weer kan gebruiken als een back-up.

Blijf creëren, oefenen, jezelf uitdagen en leren (het lezen van onze blogs en tips is een goed begin). Wees volhardend, plaats jezelf op de juiste plek, beschik over de nodige middelen, verzamel goede mensen om je heen en je bereikt de doelen die je hebt uitgestippeld. Het is gewoon een kwestie van tijd, blijf werken en je zal beloond worden.

muziekproducer carrière

Mocht je nog meer willen weten over dit onderwerp, bekijk dan ons andere blog over “geld verdienen met muziek“.

Geplaatst op

Reggaeton: Wat zijn de belangrijkste elementen?

De opkomst van Reggaeton

Al een hele lange tijd populair in de Latijns-Amerikaanse wereld, maar niet zo populair buiten die markt – tot de vroege jaren 2000 – Dancehall werd populair, en het Latin-Pop-equivalent kwam niet ver achter. Artiesten als Daddy Yankee en Don Omar raakte de Amerikaanse markt en maakten Reggaeton een groot iets. Tegen het einde van de jaren 2000 verdween Reggaeton terug naar de Latijns-Amerikaanse markt. Maar nu, is Reggaeton terug en overgestoken naar de pop markt en is het populairder dan ooit met nummers waaronder:

Maar wat maakt een goede Reggaeton track en hoe zit dit in elkaar?

Elementen

1. Ritme

Ritme is alles. Latijnse muziek (in het algemeen) is afhankelijk van de drums. Mix de kick en snare altijd heel erg vooran in de mix. Drums zijn voor Reggaeton zoals gitaren voor Metal en piano voor Ballads zijn. Ze moeten meestal zo luid mogelijk of zelfs luider in de mix zitten dan de zang, drums zijn meestal het meest dominante element in een mix. Daarnaast zijn er vaak nog meerdere percussie-elementen aanwezig: toms, shakers, enz. Deze elementen moeten ook op dezelfde manier behandeld worden als de primaire drums, of misschien net iets lager, zelfs als het de mix een beetje hard of druk maakt.

De kicks en snare hebben de neiging om veel frequentiebereik te bezitten. In de dance muziek zouden we normaal gesproken de drums zo mixen om plaats te maken voor een baslijn, zang en lead synthesizer. In Reggaeton werkt het meestal beter om de extra boventonen te behouden. Het hebben van een vol drumgeluid is 1 van de belangrijkste elementen.

Veel van de drumloops en samples die producers tegenwoordig gebruiken klinken erg goed. Ik denk meestal aan de drums als middelpunt en ik mix er omheen. Met deze aanpak is er niet veel behoefte aan processing en het komt vrij vaak voor dat er helemaal geen processing op de drums heb. De enige uitzondering is dat de Reggaeton-drums een typische “doffe” klank hebben die afkomstig zijn van een verlengde transients. Als de drums deze kwaliteit niet hebben, kan het soms dat drums kunnen profiteren van gebruik van zachte clipping.

We moeten bij Reggaeton wel onthouden dat bijna elk ander element een ritmische structuur zal hebben. Pluck synths,  gitaren, enz. zijn meestal daar om het ritme te ondersteunen, net zoals ze er zijn om een ​​melodische structuur te ondersteunen. Besteed hier veel aandacht aan.

2. Zang

De vocalen in Reggaeton zijn erg interessant naar mijn mening. Sommige vocalisten hebben een hele gepolijste toon in hun producties, waaronder J Balvin en Becky G. Andere zangers hebben een bijna lo-fi geluid in veel van hun hits zoals Ozuna. Met betrekking tot Ozuna, in het bijzonder, weet ik dat veel van zijn nummer geproduceerd zijn voordat hij populair werd en in slaapkamerstudio’s op minder dure apparatuur werden gedaan. Balvin en Becky G hebben al een tijdje langer deel uitgemaakt van de muziek wereld.

Auto-Tune is ook een belangrijk element van het bekende Reggaeton-geluid. De tuning is over het algemeen vrij duidelijk aanwezig in het geluid, net als bij Dancehall in het midden van de jaren 2000 en Hip Hop van nu. Elke artiest heeft zijn eigen mate en manier van autotune gebruik qua hoeveelheden, maar bijna alle artiesten geven de voorkeur aan de <20 ms-bereik. Er zijn ook artiesten die Melodyne gebruiken om de noten over het algemeen op de juiste plaats te zetten en Autotune meer voor de sound gebruiken (T-Pain).

3. Lage frequenties

Het lage frequentie gebied in Reggaeton zou eigenlijk niet al te lastig moeten zijn. De meeste Reggaeton kicks zijn niet super subby, en de meeste bassen bevatten voornamelijk sub. Ik vind dat hier de bas het beste werkt als het de kick ondersteunt en in tegenstelling tot dance muziek, vind ik dat te veel sidechain de muziek geen goed doet. Soms zal een beetje distortion aan de bas helpen bij het samensmelten met de kick.

Maar net als dance muziek hou ik wel van een beetje sidechain. Als je de release tijd op een compressor precies goed weet te krijgen, zodat de kick bijna al de lage frequenties aan de bas geeft, creëer je een heel mooi samenhangend gevoel en helderheid.

reggaeton

(Links: Nicky Jam, Rechts: J. Balvin, nummer “X”)

4. Instrumenten als ritmische elementen gebruiken

Zoals ik eerder al zei, is het erg belangrijk om de ritmische elementen van het arrangement te herkennen. Dit geldt voor o.a. plucks en gitaren. Dit is een belangrijk verschil tussen Reggaeton en vele andere genres. In Rock, Pop en Hip-Hop gebruiken we vaak en compressor om op dit soort elementen de transiënten te onderdrukken. Hierdoor kan je het element uit de weg van de drums en zang halen maar wel met behoud van zijn muzikale functie. In Reggaeton draagt letterlijk elk element mee aan het ritme. Vaak wordt hiervoor een transient designer gebruikt, je kan hiermee de attack opschroeven en synths en plucks als percussie laten klinken.

5. Adlibs en background vocals

Tegenwoordig is het in de mode is om creatief te worden met vocale effecten op de achtergrond. Over het algemeen worden adlibs gebruikt om een gevoel van diepte te creëren door gebruik te maken van Reverb en Delay. Ook is het tof om met andere creatieve effecten te experimenteren waaronder distortion, filtering, modulation, formant shifting.

Wanneer ik bijvoorbeeld achtergrond vocals mix, gebruik ik vaak lichte distortion, telefoon effect door middel van EQ en veel Reverb. Iets wat naar mijn idee als werkt en tof klinkt. Ook al wordt dit natuurlijk al veel gedaan en gebruikt door andere producers, is het daarom goed om altijd op zoek te blijven gaan naar nieuwere en unieke manieren van mixen. 

6. Het afmaken

Als het gaat om het afmaken van de mix, zet ik het volume van mijn monitoren lager en luister ik of er iets voller moet worden of dat er bepaalde elementen nog niet genoeg uitspringen (of juist teveel). Als dat het geval is, kan ik dit met een EQ op het bepaalde element fixen. In de meeste gevallen voeg ik nog wat top-end en midrange toe aan de complete track.

Reggaeton is meestal vol met heldere en hoge frequenties (zoals EDM). Ik merk vaak dat een beetje meer top-end dan Hip-Hop of Pop, vaak goed werkt. Qua compressie op de mixbus wil ik het geluid meestal zo punchy en dynamisch mogelijk hebben, subtiel gebruik hiervan kan het nummer een beetje body geven. Als dit vervolgens allemaal gebeurd is, en je tevreden met je nummer bent, dan ga je nummer masteren of je besteed dit uit aan een master engineer.

 

Mocht je willen weten hoe de producers van het nummer “Despacito” deze track in elkaar hebben gezet en welke elementen ze gebruikt hebben, kan je deze hieronder bekijken!

 

 

 

 

 

Geplaatst op

Vocals mixen: De 7 geheimen die je nog niet wist

Hoe kan ik mijn vocals als een professionele track laten klinken?

Heb je ooit moderne hit met een slecht gemixte vocals gehoord? Waarschijnlijk niet.  Als je vocalen in een track niet geweldig klinken, kan dit een track vaak breken en minder goed maken. Ook al weet je dit, het wordt hierdoor niet gemakkelijker om ze te mixen.

Vocals mixen is lastig. Ze zijn vaak het luidst en meest aanwezig in een mix, waardoor er weinig ruimte is om hierin fouten te maken. En omdat we zo bekend zijn met het geluid van de stem van een mens/persoon, merken we snel wanneer er iets niet klopt of niet natuurlijk klinkt. Als je moeite hebt om je vocalen goed in een mix te krijgen, heb ik hier een aantal punten waarmee je kan beginnen. Lees verder om erachter te komen hoe jij jouw vocals als een professional kan laten klinken.

vocals mixen

1. Voeg ze vanaf het begin al toe aan je mix

Het begin van een mix kan je zien als een leeg canvas, net zoals een schilder dat heeft met een schilderij. Welk element je ook als eerste toevoegt, heeft alle ruimte ter wereld. Je hoeft het niet aan te passen en te mixen, omdat er geen ander element aanwezig is waarmee het hoeft te concurreren

Maar als je door het mixproces gaat, vult de ruimte zich op. Nieuw toegevoegde elementen zullen in de weg komen te zitten met anderen, dus je EQ je deze om ze bij de rest van je mix te laten passen. Het effect? Deze elementen zullen meestal dunner klinken dan degene waarmee je bent begonnen. Dit maakt de volgorde waarin je mix cruciaal. Wacht niet te lang om de vocals erbij in de gooien. Als je de fader omhoog trekt en beseft dat er geen ruimte is voor vocalen, heb je vaak heel veel hoeveelheden EQ nodig om het probleem op te lossen.

Het resultaat? Het belangrijkste element in je mix klinkt dun en hard. Breng de vocal in plaats daarvan eerder in de sessie. Op deze manier vorm je de rest van je mix eromheen. Je zult eindigen met een vocal die vol en aanwezig is, zonder veel gebruikt van plugins.

2. Verwerk ze in het geheel

De soloknop is je vijand. Waarom? Omdat mixen draait om context. Het doel is om jouw tracks samen goed te laten klinken. Maar door gebruik van solo-knop verdwijnt deze context. Wat het bijna onmogelijk maakt om goede beslissingen voor jouw mix te nemen. Als je een bepaald element in je mix in solo speelt, zul je vaak niet goed horen hoe het zich verhoudt tot de rest van je mix. Dit kan ertoe leiden dat je beslissingen neemt die lijken alsof ze je mix verbeteren, maar in de context met de rest van je mix juist slechter klinken. Vermijd daarom de soloknop bij het vocals mixen. Maak in plaats daarvan aanpassingen en beslissingen wanneer alles zich samen afspeelt.

In eerste instantie kan dit moeilijk zijn, omdat het lastig is om subtiele/kleine veranderingen te horen wanneer er 50 elementen tegelijk worden afgespeeld. Herinner jezelf eraan dat het vermijden van de soloknop tot betere mix beslissingen leidt.

vocals mixen

3. Gebruik van Pre-Delay

Reverb is helemaal terug in de mode, daar ben ik het mee eens. Het probleem met reverb is echter wel dat het een vocal verder weg in de mix kan zetten. In de meeste gevallen wil je namelijk dat de stem vooraan en centraal in de mix zit. Dus wat doe je? Pre-Delay toevoegen. Pre-delay is een parameter die je op de bijna alle Reverb plug-ins zult vinden. Als je het omhoog zet, wordt de reverb van de droge stem met een korte vertraging gescheiden. Het effect? Je hoort de ruimte en dimensie die de reverb toevoegt, maar de vocal zal mooi vooraan en centraal in track staan.

4. Gebruik de juiste De-Esser

Je kunt geweldige mixen maken met vrijwel alle tools (inclusief de standaard plug-ins in je DAW). Er zijn echter uitzonderingen. De-Essing is er een van. Het vinden van de juiste De-Esser is cruciaal. Slechtere versies zullen je zang saai en plat laten klinken. De betere De-Essing plugins zullen de sibilance (“s” of “sh” geluid) onder controle houden terwijl ze helderheid en aanwezigheid behouden. Mijn favoriet is de DeEsser van Waves. (Vergeet niet – je kunt sibilance ook handmatig onder controle houden door gebruik van automation, hoewel dit effectief is, is dit is meestal wel heel tijdrovend.)

5. Vermijd ultra-snelle attack tijden

Snelle attack tijden zijn verleidelijk. Veel mixers houden hiervan, omdat ze de dynamiek van een nummer heel strak onder controle houden. De nadelen zijn echter groot. Snelle attack tijden vernietigen de punch en impact. Ze kunnen de energie uit een vocal performance halen, waardoor een nummer gedempt en ver weg klinkt. In de meeste gevallen wil je dit niet gebruiken voor zang. En als je problemen hebt om een stem  door een mix te laten krijgen, kan het helpen om de attack op je compressor te vertragen.

6. Vertrouw niet teveel op compressie alleen

Compressie is vaak niet genoeg om een geweldige vocal mix te bereiken. Sommige woorden en zinnen kunnen nog steeds verloren gaan in de mix, waar in andere gebieden de compressie misschien te agressief klinkt. Hoe dan ook, als je alleen maar op compressie vertrouwt, kom je vaak tekort. Maar wat is dan een betere strategie?

Gebruik compressie in combinatie met automation. Ga in het mixproces tot 8090 procent te werk met compressie te werk en gebruik automation om de uiteindelijke klus te klaren. Beide zijn essentieel in dit verhaal.

7. Luister goed naar ademhalingen en andere geluiden in een vocal opname

Ik hoor in veel nummer vaak vocalen die BIJNA geweldig klinken. Er is goed gebruik gemaakt van EQ, ze klinken gebalanceerd, de effecten zijn goed gedaan en ze zijn niet dood gecompressed. In deze gevallen is het probleem niet de vocal, maar de elementen die het in de weg zit. Compressie kan allerlei storende geluiden naar voren brengen, waaronder ademhalingen, klikken, gerommel. De beste mixers verwerken deze geluiden op de juiste manier.

Als de ademhaling te luid is, draai deze dan omlaag totdat ze op een redelijk niveau zitten. Verwijder deze niet helemaal, vaak zijn ze een cruciaal onderdeel van een vocal performance. (Een grote ademhaling voordat een refrein begint kan bijvoorbeeld spanning toevoegen en de luisteraar voorbereiden op wat komen gaat.)

Conclusie

Als ik je aandacht nu nog steeds heb, ben je goed op weg om jouw vocals als een professional te kunnen mixen. Voor komende vrijdag ga ik een video maken met alle vocal mixing tips die ik hier behandeld heb. In deze video laat ik  je zien hoe je deze tips kunt toepassen in je DAW, zodat je het geluid van je vocals meteen kunt verbeteren.